# Нижегородский художественный музей и его шедевры

Валентина Алексеевна Чернова

Обзор выставки

Чернова В.А.


Шедевры Нижегородского музея.


Часть первая.


Старинные портреты и их истории.


В Самарском областном художественном музее открыта выставка произведений русского искусства, которые ранее составляли экспозицию Нижегородского государственного художественного музея. На данный момент, здание, где располагалась основная экспозиция русского искусства закрыто на ремонт. В свое время, когда была закрыта Третьяковка на ремонт, Самаре посчастливилось увидеть "Купание красного коня" кисти Кузьмы Петрова- Водкина.

Экспозиция выставки в Самарском художественном музее включает чуть больше тридцати шести шедевров русской живописи XYIII начала XX века. Пути развития русского искусства в каждом музее прослеживаются, начиная от ранних образцов живописи XYIII века, и второй половины XIX - начала ХХ века, затрагивая различные имена и жанры живописи.

Никогда еще Самара не видела ни одного портрета молодой императрицы Екатерины II. В нашем музее есть более поздние, возрастные ее портреты, а в портрете Георга Гроота "Портрет Екатерины Алексеевны в охотничьем костюме".1745-1747 года она предстает совсем юной.

Образ будущей императрицы Екатерины II полон изящества. Белолицая, темноволосая, с тонкими чертами на овальном лице она запечатлена на фоне русского пейзажа словно изящная фарфоровая куколка. Гладкая ткань камзола отсвечивает перламутровым блеском, а воздушная легкая лента на треуголке, в волосах, и кружево на вороте у шеи княгини - обрамляют голову словно лепестки цветов. При этом узкими длинными пальцами императрица придерживает увесистое ружье, рядом лежат добытые трофеи. Известно, что государыня была сильна физически, обожала прогуливаться пешком, кататься верхом, стрелять. Стрельбе из ружья научил ее супруг, Петр III, это занятие сразу пришлось ей по душе.

В "Записках" Екатерина описала свое времяпрепровождения летом и осенью 1747 года: "Вот образ жизни, который я тогда вела в Ораниенбауме. Я вставала в три часа утра, сама одевалась с головы до ног в мужское платье; старый егерь, который у меня был, ждал уже меня с ружьями; на берегу моря у него был совсем наготове рыбачий челнок. Мы пересекали сад пешком, с ружьем на плече и мы садились - он, я, легавая собака и рыбак, который нас вез - в этот челнок, и я отправлялась стрелять уток в тростниках, окаймляющих море с обеих сторон Ораниенбаумского канала, который на две версты уходит в море"

Искусно со знанием дела художник живописал охотничьих собак: их характерные вытянутые морды, чтобы чуять добычу, длинные ноги, чтобы преодолевать большие расстояния. Породистые собаки и дорогое оружие считались роскошью и одним из лучших подарков. К концу XVIII века в России появились огромные псарни, рассчитанные на тысячи собак. Со временем охота в России всё больше и больше становилась основным развлечением дворян. И в этом они равнялись на своих Правителей.

Художник Пьетро Ротари (1707-1762) считался портретистом юных прелестниц, не случайно сразу после кончины Пьетро Ротари, Екатерина Великая скупила все оставшиеся триста полотен из его петербуржской мастерской и велела создать персональную выставку в особом кабинете в Петергофе под пафосным названием "Кабинет мод и граций". Понятно, что простой художник вряд ли когда-нибудь удостоился такого фанатичного почитания, но Пьетро никогда не был простым. Критики упрекали Ротари в излишней "ремесленности" его творчества, однообразной штамповке модного товара. Но, как говорится, плох тот художник, которого не критикуют.

Пьетро Ротари создал уникальную галерею образов своих современников, каждый из которых несет в себе отпечаток своего времени с его модой, вкусами, интерьерами, запросами публики. Таков Шувалов Петр Иванович (1711-1762) - русский государственный деятель, генерал-фельдмаршал, глава русского правительства на исходе царствования Елизаветы Петровны, конференц-министр, камергер, сенатор, реформатор и изобретатель.

Генерал-фельдмаршал Шувалов основал Артиллерийскую инженерную школу в Ижевске, где учился Михаил Кутузов, а позже оттуда (уже из Артиллерийской академии) вышло большинство ижевских оружейников в генеральских чинах. Заведовал Петр Иванович и оружейной канцелярией, усовершенствовав российскую артиллерию так, что его воспел сам Ломоносов: С Елисаветой Бог и храбрость Генералов, Российска грудь, твои орудия, Шувалов. Граф азартно вникал в технические тонкости, даже изобрел гаубицу: секретный "овалистый калибр" ее скрывала особая заглушка, а на стволе отлили единорог - герб Шувалова. Палила диковинка отменно. Сенат постановил наречь ее гаубицей Шувалова, и она исправно (более века!) стояла на вооружении армии и флота. В 1761 году граф сочинил указ, ставший золотым правилом для всех машиностроителей: "На каждую оружейную вещь порознь мастерам иметь меры или лекалы, за заводским клеймом или печатью оружейной канцелярии, аккуратные, по которым бы каждый с пропорцией всякую вещь при делании приводить мог. Без того вещи одна с другою точного равенства не имеют..." И для наших умельцев тот принцип станет основным. На портрете кисти Ротари он предстает уже не юношей, но мужем, с лицом отмеченным печатью недюжинного ума. Современники называли его "человеком с головой"

Галерея выдающихся мужей Российской империи XVIII века представлена портретом князя Николая Васильевича Репнина кисти неизвестного художника XVIII века.

Николай Васильевич Репнин русский дипломат и военачальник екатерининской эпохи, генерал-фельдмаршал (1796). В качестве посла в Речи Посполитой (1764-1768) внёс весомый вклад в разложение польско-литовской государственности. Последний из Репниных, владелец усадьбы Воронцово. 24 февраля 1768 года Репнин добился заключения с Речью Посполитой Варшавского договора, условия которого фактически позволяли Российской империи вмешиваться в любые внутренние дела последней.

Русский посланник, открыто вмешивавшийся в дела суверенного польско-литовского государства, долго вызывал ненависть у польских патриотов. В польской историографии он остался как своего рода антигерой - безжалостный сатрап самодержавия и могильщик национальной государственности. Образ Репнина на картине Матейко "Рейтан. Упадок Польши" отмечен печатью такого отношения

Один из современников написал: Обладая довольно живым, но поверхностным умом, он нравится женщинам, но зато и подчиняется им всецело; удовольствие есть единственный мотив всех его поступков. Работой его в Польше здесь все недовольны, так как он только запутал дела к невыгоде России. Он был влюблён в жену Адама Чарторыйского, самого страшного врага русских. Подчинившись этой женщине, он, говорят, заплатил ей за ночь покровительством Барской конфедерации, вопреки интересам своего двора. Эта крупная ошибка произвела здесь такое дурное впечатление, что возникал вопрос, не отозвать ли Репнина под тем предлогом, что он сошёл с ума.

На портрете Репнин предстает своевольным, с упрямым лицом, на котором высоко приподняты брови. Выразительные глаза подчеркивают чувственность его лица, выделяющегося на фоне ярких красок зеленого камзола с красными обшлагами и блеска орденов.

Из ряда женских портретов XYIII века выделяется замечательный портрет кисти Ивана Саблукова. На нем запечатлена дама в голубом платье в стиле рококо, надпись на этикетке гласит, что это портрет графини Любови Никитичны Кушелевой, портрет датируется 1770-ми годами.

К сожалению, точнее было бы назвать эту работу "Портрет неизвестной". Дело в том, что женщины с таким именем в роде Кушелевых не было. Иван Саблуков, к тому времени академик живописи и признанный мастер, в 1770-х годах жил в Харькове, где занимался преподаванием, в столицу приезжал нечасто. В 1777 году Саблуков скончался.

Тем не менее, портрет создан в промежутке между 1770 и 1777 годами и это можно точно определить по прическе героини.

Перед нами образец сложной высокой прически, которая стала символом XVIII века. Мода на них продолжалась не так долго, примерно с 1770 по 1778, но эта вершина парикмахерского искусства оставила настолько яркий след в истории культуры, что стала восприниматься неким знаком эпохи. В России мода на высокие прически, естественно появилась, но Екатерина II, в отличии от Елизаветы Петровны, не была ярой поклонницей французских мод. Тем не менее, похожую прическу, но в более "роскошном", исполнении можно увидеть, например, на портрете великой княгини Марии Федоровны, будущей жены Павла

Прическа на портрете модная, но остается в пределах разумного. При создании таких причесок помимо своих волос использовали накладные валики, шиньоны, но в любом случае это не парик.

В данном случае высоко поднятые, гладко зачесанные волосы дополнены длинными туго завитыми локонами - буклями, уложенными косыми рядами. Волосы припудрены в меру, их естественный цвет, по крайней мере, угадывается. Дополняет прическу изящная кружевная наколка с розовыми лентами. Скорее всего, героиня замужем и подобные наколки - некий рудимент головных платков относительно недавнего прошлого, когда показываться с непокрытой головой замужним женщинам было просто неприлично.

Что касается костюма, то надо сказать, что портретируемая одета по последней моде. Такое сочетание василькового и розового в середине 1770-х годов было последним криком парижской моды. На груди атласный бант с длинными зубчатыми кончиками, как акцент на груди. Вырез платья, достаточно узкий и неглубокий, обрамлен кружевом. Короткие, по моде того времени рукава с пышной кружевной оборкой украшены бантами в тон лентам на корсаже и в волосах.

В общем, на героине наряд, созданный по последней моде, что говорит, в первую очередь, о прекрасном вкусе его обладательницы. Наряд дополняют драгоценные серьги с крупными бриллиантами. Вторая половина XVIII века - время моды на украшения с крупными камнями и счастливые обладательницы таковых с удовольствием демонстрировали их на портретах.

Отдельно хочется сказать о макияже героини. Здесь дан пример типичного "макияжа" второй половины века - белая пудра, яркие румяна, насурьмлённые брови. Безусловно, сказалась мода на фарфор, охватившая Европу во второй половине XVIII века, когда прекрасные дамы подражали белизне и хрупкости статуэток, и понятно их желание скрыть дефекты внешности и возрастные особенности. Важно помнить, что красавицы той эпохи жили при свете свечей и при подобном освещении выглядели совсем иначе.

Дама в голубом, скорее всего, не имеет к семейству Кушелевых никакого отношения, но, при этом явно принадлежит к высшему обществу. Об этом говорят и прекрасно, со вкусом подобранный наряд, и модная прическа, и очень дорогие украшения. К сожалению, имя этой героини останется тайной, но все же нельзя не признать его одним из самых обаятельных в экспозиции выставки.

В ряду женских портретов XYIII века особое место занимает портрет "Портрет Анны Доротеи Луизы Шмидт" кисти Дмитрия Левицкого. 1780. Данный портрет был создан в период расцвета его творчества, когда плотные мазки кисти осязаемо передавали блеск ткани атласного платья, шелковых лент, вышитой шали. В женских портретах 1780-х годов отчетливо проявились важные черты - ощущение собственного достоинства, подчеркнуто аристократический характер. В этом портрете выражена гармония красоты телесной и духовной. В портрете Доротеи Шмидт создан образ уверенной в себе женщины приветливой, гордой и спокойной. Ее костюм лишь кажется простым и небрежным.

В русской живописи первой половины XIX века существовала иерархия жанров, и натюрморт считался не самым уважаемым натюрмортом.

Русский художник Иван Хруцкий прославился потрясающими реалистическими натюрмортами. Он первый из русских художников всерьез взялся за этот жанр, быстро добился успеха в столице, и вдруг уехал на родину в Витебскую губернию, чтобы заботиться о большой семье после смерти отца-священника и жить почти затворником. Работы этого художника были настолько эффектны и жизнерадостны, что это уберегло его от участи "забытого" мастера. Хруцкий часто повторял свои работы, так как на его произведения был очень большой спрос. Вот, например, этот натюрморт "Натюрморт со свечой" (его ещё называют "Натюрморт с биноклем") известен сейчас в восьми версиях - и один из них в собрании Нижегородского музея.

Замечательный русский живописец Александр Варнек, картинами, портретами и автопортретами которого восхищались современники, со временем был основательно подзабыт любителями прекрасного. В каком-то смысле он сам "виноват", что стал известен вновь в ХIХ веке, ибо рано отошел от живописи, занимаясь преподавательской работой и работой хранителя рисунков и эстампов Императорского Эрмитажа и Академии художеств.

В 1810-е - начале 1820-х Варнек создает большинство своих произведений. В основном это портреты, в том числе и детские портреты. На выставке представлена работа Варнека "Дети скульптора Мартоса". Здесь можно видеть особенности творческой манеры художника: очень крупно взятые лица, четкость отдельных деталей, одежды, выверенность композиционных ритмов, приглушенные краски, небольшой формат. Темные завитки волос, свободно лежащие на висках, томные глаза с неясным выражением и направлением взгляда, нарочито деликатно, в духе старых мастеров, написанная девичья кожа.

В русской живописи первой половины XIX века особняком стоит имя художника Алексея Венецианова. Он был одним из первых художников, посвятивших свое творчество изображению крестьян и утвердивших бытовой жанр в качестве важной области в искусстве. В полотнах художника предстали народные образы, преисполненные душевного благородства и чувства собственного достоинства.

Портрет "Девушка с гармошкой" написан А. Г. Венециановым в 1840 году. На полотне девочка-подросток. В белой рубахе, в полинявшем синем сарафане, волосы убраны под клетчатую косынку. В руках у девочки гармошка. Если учесть, что в России гармоники появились в 1783 году, то девочка нашла музыкальный инструмент в одной из комнат хозяев, когда убиралась по дому. Любопытство одержало верх, и девочка осторожно рассматривает свою находку поближе. Работу Венецианова отличает живость, простота композиции, лессировочная манера письма, культ юности, стремление к идеализации.

Сама выставка наполнена такими замечательными произведениями, что информация, воплощенная в них, переполняет знаниями, впечатлениями. А сами художественные образы полны невероятной энергетики, являются знаковыми в истории русского искусства.


Часть вторая.

Люди и виды


Экспозиция выставки из Нижегородского художественного музея запоминается разнообразием видов и запечатленных персонажей.

В 1823 году, когда крепостному художнику Василию Тропинину было сорок семь лет, граф Морков дал ему вольную. В том же году Тропинин написал свою знаменитую картину - "Кружевница".

Тема девушек-рукодельниц - одна из самых главных у Тропинина. "Кружевница", перекликавшаяся с мотивом популярной тогда повести Карамзина "Бедная Лиза", была очень популярна, и Тропинин выполнил с нее несколько авторских повторений. На выставке - одна из первых реплик, выполненная в 1824 году. Первый вариант картины экспонируется в Третьяковской галерее. Тропинин был одним из первых русских живописцев, обратившихся к бытовой картине, показывающей жизнь простого народа.

В последние годы некоторые искусствоведы относят его творчество к стилю бидермейер. Слово bieder, в переводе с немецкого языка, означает "честный, порядочный, простодушный". Сложив две части слова, получили имя, которое дали новому персонажу. Долгое время само существование стиля бидермейер в России подвергалось сомнению, а вокруг этого термина велись жаркие споры. Все-таки в большей степени, в России в произведениях одних и тех же художников смешиваются различные стилевые тенденции - сентиментализм и романтизм, классицизм и академизм, ранний реализм. Особенность русской культуры заключается в этой пестроте и контрастности художественных явлений.

В творчестве Василия Тропинина полнее воплотились сентиментализм и романтизм Это видно в решении художественного образа кружевницы. Мастер подчеркивает естественность девушки, с простодушной и сердечной улыбкой во взгляде, обращенной к собеседнику. Ее наклоненная головка в обрамлении завитков русых волос полна невыразимой женственности. Художник старательно выписал деревянные коклюшки, ножницы на столе, стремясь показать поэзию и красоту предметов быта, что вообще характерно для русских художников первой половины XIX века. Героиня картины принадлежит мещанскому сословию, интерес, к изображению представителей которого пробуждается в это время под влиянием идей просветительства и романтизма, соединенного с сентиментализмом. Лицо кружевницы с характерной для многих героев Тропинина полуулыбкой, - помогает сформировать обобщенный идеализированный образ

На выставке представлен еще один портрет кисти Василия Тропинина "Мужской портрет". 1826. Помимо конкретной характеристики, по сумме наработанных приемов, данный мужской портрет схож и с портретом А.С.Пушкина и с рядом других тропининских портретов. Такой же поворот головы слева направо, обрамление лица белым воротом рубашки, небрежно повязанный шейный платок, приподнятые уголки губ, поблескивающий кончик носа на лице в окаймлении бакенбард и мягких непослушных завитков волос, все эти элементы составляют типизированный облик человека первой половины XIX века.

Марина - жанр изобразительного искусства, изображающий морской вид, и события, происходящие на море. Является разновидностью пейзажа. В России самым прославленным маринистом был Иван Айвазовский. Картина Золотой Рог. 1872. изображает берег Стамбула на закате. Прекрасное полотно!

Мало кто знает, что Айвазовский был частым и желанным гостем в Турции, так как его дед - выходец из Турции. Достоверны эти сведения или нет, но в книге о Иване Айвазовском, которая была издана в 1901 г., приведены сведения о его турецких корнях, записанные со слов самого художника. Романтическая история повествует, что дед великого мариниста был турком и погиб в жестоком бою с солдатами русской армии при взятии крепости Бендеры: "В числе жертв их находился и секретарь бендерского паши. Смертельно раненный он истекал кровью, сжимая в руках младенца, которому готовилась такая же участь. Уже русский штык был занесён над малолетним турком, когда один армянин удержал карающую руку возгласом: "Остановись! Это сын мой! Он христианин!" Благородная ложь послужила во спасение, и ребёнок был пощажён. Ребёнок этот был отец мой. Добрый армянин не покончил этим своего благодеяния, он сделался вторым отцом мусульманского сироты, окрестив его под именем Константина, и дал ему фамилию Гайвазовский, от слова Гайзов, что на турецком языке означает секретарь". "А далее со своим армянским благодетелем мальчик переехал подо Львов, получил хорошее образование и занялся торговым делом". А потом переезжает в Феодосию.

Правда это или домыслы, - мы до сих пор не знаем, о том, что было двести с лишним лет назад. Но всё же Ивана Айвазовского тянет в Турцию, где он пишет множество видов Константинополя - Стамбула. "Башни на скале у Босфора", картину с закатом "Лунная ночь в Константинополе", и прекрасную картину "Золотой Рог. Босфор" 1872 г. За свои полотна Айвазовский удостоен был подарков шаха, получил турецкие ордена и множество заказов для местной аристократии. Художник неоднократно бывал в Турции, чувствуя себя там желанным гостем. Стамбул всегда ценил художника из России, там находится не один десяток картин Айвазовского. Осматривая интерьер дворца Бейлербей, можно обратить внимание на плафоны светильников: большая их часть расписана Айвазовским. Там же расположились на стене более двадцати картин художника Айвазовского...

Ведута от слова - вид, этот жанр стал популярен в первой половине XIX века. Ландшафтный пейзаж с изображением видов городов - это первый жанр пейзажного искусства в России. Интерес к такому типу изображения не иссякал до конца XIX века.

Именно к этому жанру относится картина "Вид Нижнего Новгорода" художника Никанора Чернецова. Художник Чернецов написал вид на Нижний Новгород в 1838году с верхней точки. Именно такой ракурс помог запечатлеть и архитектуру нижегородского кремля, и широкую панораму реки с отмелями, ближе к линии горизонта. Автор отразил ландшафт топографически точно, но при этом наполнил картину монументальностью, эпикой; не пропустив бледно-голубое небо с темнеющими облаками, водные дали в месте слияния Волги и Оки.

Ландшафтных видов на Нижний Новгород на выставке много. Петр Верещагин представлен видом нижегородского рынка. Рынок в Нижнем Новгороде. 1867. Подобно своему брату Василию, Петр Верещагин получил, первоначальное художественное образование в семье и также продолжил его в Академии художеств в Петербурге. Однако по своим художественным интересам братья заметно различались. Петр Петрович Верещагин известен, прежде всего, своими пейзажами. Его виды городов или их характерных мест "Рынок в Нижнем Новгороде", приносили ему и официальное признание, и известность среди любителей искусства. "Рынок в Нижнем Новгороде" - самая "многолюдная" картина Верещагина. "Рынок" - неожиданно "заселенное" полотно художника. В этой картине - не только тщательная четкость архитектуры Нижнего Новгорода. Повсюду жители, деловито снующие по рыночной площади. Купцы, промышляющие яствами, и коробейники с коробками, и шарманщики с шарманками. От картины исходит характерный базарный гул. Верещагин за эту работу в 1867 году был удостоен звания классного художника второй степени.

Картина художника Леонида Соломаткина тоже видовая. Трактир "Золотой бережок" мог существовать в любом городе России. Ранним морозным утром, когда фонарщик гасит фонари, под дверьми трактира собрался разный народец, кто-то тепло закутан, кто-то в тонком зипуне, они стучат в дверь и глядят в окно. В картине есть интерес к социальной теме - жизни маленьких людей в городе. Здесь нет драматического развития действия. Чтобы усилить асоциальность каждого человека, Соломаткин использует гротеск в изображении своих героев. Скупые краски прекрасно написанного зимнего рассвета в контрасте с ночными тенями оживляют одну из лучших картин художника.

Помимо видового пейзажа Константина Юона написавшего закат на Волге, в Нижнем Новгороде. 1911, выставка предлагает также эффектный южный украинский пейзаж кисти Архипа Куинджи "Украина".

Большая часть выставки представляет картины русской природы, запечатленные в этюдах и станковых полотнах. Работа Исаака Левитана "Озеро. Серый день". 1899. - эскиз последней картины Исаака Ильича Левитана, под названием "Озеро. Русь", экспонируется в Государственном Русском музее. "Озеро" - сочиненный образ природы, где во всем проявилась спокойная и свободная мощь России, такой, какой она может быть в счастливые минуты. Этюд Михаила Нестерова Весенний пейзаж. 1901, также часть русского пейзажа, одна из его граней, где художник опоэтизирует самый непритязательный сюжет.

Пять великолепных пейзажных работ связаны с тем, что называется образцом первоклассного и совершенного в отечественном искусстве. Имена Алексея Саврасова "Грачи прилетели (вариант) 1889г., Ивана Шишкина "Раннее утро. 1885г., Константина Коровина "Кафе". 1901г., Аркадия Рылова "Ветви ели" и 1909г., Леонарда Туржанского "Весна". 1917г. и, являются частью того, что мы называем совокупностью отечественных ценностей. Картины русской природы в живописи этих мастеров были в СССР неотделимы от общественного сознания, будь это отдельная семья, социальные институты общества или учреждения культуры.

Василий Суриков, не один раз бывавший в Самаре, в связи созданием с картины "Степан Разин", на выставке представлен этюдом "Гребцы" к картине "Степан Разин". 1902. Работа скорее эскиз картины, где намечена береговая лента Волги, подвижное серебро воды и вид на лодку под парусом с небольшой группой гребцов.

Этюд "Боярышня". 1886г. относится к картине "Боярыня Морозова". На нем запечатлена в профиль молодая женщина в кокошнике-шапочке, обрамленной жемчужной каймой и покрытой сверху синим платком. Блеск серебряного шитья, жемчуга в узорочье платка сочетании с бледным точеным лицом создают не только драгоценную колористическую поверхность, но и непередаваемый женский образ.

Художника Ивана Крамского за рубежом сравнивали с Веласкесом. Его портреты всегда значимы и наполнены. Женщина под зонтиком. 1883г.невольно завораживает. Картину отличают динамичная композиция, живой свет и свежий колорит с множеством цветовых нюансов. Белый наряд женщины представлен во множестве оттенков от света к тени, от жестких заломов плотной ткани платья до мягких кружевных складок. Летний зонтик, наполненный солнечным светом, отбрасывает нежные золотистые отсветы на кружевную косынку женщины и ее лицо, Картина писалась под Гатчиной на берегу реки Оредеж на станции Сиверская, где у художника была дача. Иван Николаевич очень любил эти места и часто здесь работал.

Человек на фоне ландшафта всегда был интересен художникам. Зинаида Серебрякова, представительница объединения "Мир искусства" начала рисовать с первых лет жизни. Она с любовью изображала все, что ее окружало: деревья, поля. Больше всего ее вдохновляли чистота и сочность природных красок, сцены крестьянского труда и быта. Картина "На лугу. Нескучное" изображает саму художницу - с младенцем на руках. Идиллический зеленый пейзаж, стадо мирных коров, тихая река Муромка - все эти красоты, заполнявшие с детства сердце художницы, дошли до наших дней.

Константин Савицкого - жанрист. Его картина называется "Мечты". Отвлекаясь от чтения книги, лежащей на коленях, словно потягиваясь с высоко поднятыми руками, откинувшись на спинку кресла, юная гимназистка погрузилась в мечты. Свободная непринужденная поза девушки, оставленной в классной комнате, невольно вызывают симпатию. Видна черная доска с математическими задачами и силуэтом человека в цилиндре. Вокруг предметный мир учебной комнаты: шкаф с книгами, глобус на этажерке, разложенные на столе тетради. Художник обратил внимание на пробуждающуюся красоту гимназистки.

Художник Николай Ярошенко тоже обратил внимание на девушку, только она крестьянка. "Девушка-крестьянка". 1891. Пятна малинового цвета на головном платке и кофте девушки выделяются на беленом фоне стены и двери, выгодно контрастируют со светлой юбкой и вышитым фартуком, создавая обаятельный образ цветущей юности.

Учитель и ученик Илья Репин и Валентин Серов на выставке представлены замечательными работами. У Серова небольшой портрет Зинаиды Юсуповой в обрамлении белого меха. Зинаида Юсупова пригласила Серова в Архангельское. Художник жил в усадьбе Юсуповых, княгиню писал несколько раз и был ею очарован. На его работах она прекрасна: одновременно скромна и величава.

На портрете кисти Ильи Репина "Портрет К.Б. Болеславовой". 1913. запечатлена внебрачная дочь Репина Ксения Болеславовна Болеславова. Илья Ефимович ее очень любил, тем более, что две законные дочери его здорово разочаровали. У Нади было психическое заболевание, а Вера выросла меркантильной и эгоистичной. Бывало, что Вера втихую продавала репинские холсты, чтобы заказать у модистки очередное платье. Ксения Болеславова же всю жизнь работала бухгалтером. На портрете она изображена с книгами.

Последние картины обзора, на мой взгляд, самые национальные, народные. В них словно выплеснулась стихия русского праздника, поэтика народного костюма, простота и непритязательность быта, словом вся Россия.

Картина Андрея Рябушкина "Молодые" посвящена жителям России XYII века. Он жил на рубеже веков, в эпоху, когда историко-бытовая живопись поставила перед собой задачу - возрождать и доносить эстетические ценности прошлого, утверждать, художническими средствами положительное: красоту иной далекой жизни, жизни, противостоящей суетности, пошлости современности.

Борис Кустодиев своими работами такими как "Вербный торг у Спасских ворот в Москве", олицетворяющий русский праздник, и "Купчиха, пьющая чай". 1923. переводит картинки быта в фантастическую аллегорию беспечальной жизни и земных щедрот, ниспосланных человеку. Да и самой пышной красавицей художник лукаво любуется, будто одним из сладчайших земных плодов. Судя по особенной теплоте, с которой художник относится к своим купчихам, эти картины стали для него бесконечным прощанием со счастливой юностью и милым сердцу миром XIX века.

Художник Абрам Архипов любил писать крестьянок. Для него, сына рязанского мужика, не было в мире никого краше русских деревенских женщин. Осанистые, веселые, трудолюбивые, хлебосольные, они улыбаются с его полотен, навечно запечатленные широкой кистью художника. Солнечный луч, зажигает алым пламенем цветастые, яркие наряды, создает ощущение радости и теплоты, делает несказанно прекрасным созданный Архиповым мир женских образов, восхищающих всех жизненной силой и удивительной правдивостью. Картина Архипова Женщина в красном. 1919г. хороша цветом. Красный цвет, любимый цвет Архипова, звонко, настойчиво бьет с полотна. Красный меняет тона и оттенки, бесконечно варьируется художником, сильный, огненный, революционный. Он как бы символизирует новое время, новую молодую Россию. Ну а для посетителей выставки в СОХМ он звучит как красочный аккорд всей экспозиции живописи из Нижегородского государственного музея